Collage y Arte Contemporáneo. La cristalización de un pensamiento no lineal

María Inés Montt

Imagen: Hannah Höch. Ohne Titel (Aus einem ethnographischen Museum), 1930. Collage. 48.3 x 32.1 cm

 

En mi último blog reflexionamos en torno a cómo mirar una obra de arte y de alguna manera decodificarla, para así poder apreciarla mejor. Siguiendo esta lógica, podemos imaginar que seguimos en nuestra galería ficticia, para poder así seguir haciendo una reflexión en torno a las imágenes y su cualidad expresiva. Aquí es donde entramos a reflexionar sobre el collage y su relevancia para el arte contemporáneo.

¿Qué nos aporta el collage desde el punto de vista de la estética contemporánea? A mi parecer, esto sería la cristalización de un pensamiento no lineal, gestado por muchos factores, pero entre ellos un cambio cultural importante que derivó en profundas transformaciones de cómo se percibía el arte y el hacer arte en ese entonces. El collage es tan sólo un ejemplo de varias expresiones que florecieron aproximadamente a principios del siglo XX. La respuesta a la pregunta de más arriba y que nos dará la idea central a desarrollar es la siguiente: El collage es la expresión gráfica y visual de un pensamiento o percepción que no sigue una línea narrativa lógica necesariamente, que es imbuido visualmente y por definición de muchas fuentes, heterogéneo y que desafía a sus referentes. Sin embargo, ¿Qué significa esto o por qué es importante para el Arte Contemporáneo? 

 

Collage como desafío visual

 

 

"El Pasajero," Alexandra Gross. 2019. Collage. 25 x 34 cm. 

Durante la época en que fue concebido y comenzó a utilizarse como recurso expresivo y como técnica propiamente tal (hay artistas que se han dedicado exclusivamente a hacer collage), el collage fue una propuesta radical para los cánones estéticos de la época y de lo que se consideraba el ideal en términos artísticos. Esto significó una consciente disrupción del canon compositivo usado hasta entonces, que entre otras cosas comprendía el que hubiera una lectura uniforme de las imágenes. De esta manera, el collage fue usado como una herramienta de crítica social y también (no de manera consciente) como puente hacia una nueva figuración, más apropiada a la realidad social y cultural que se vivía en el contexto del período entre guerras en Europa. Como vemos en la obra de Alexandra Gross, el collage introduce la posibilidad de la unión de elementos visiblemente disímiles y/o a veces abiertamente contradictorios, ya sea formal, contextual o en términos de representación realista. Esto a nivel compositivo fue una provocación y una consciente disrupción de las reglas de composición y articulación de una imagen artística, como clásicamente se entendía a modo de “espejo de la realidad”. De esta manera, las imágenes pensadas desde la técnica del collage ganaron una particular cualidad expresiva, como se puede observar en la obra de Gross. Esta expresividad se logra a través de la reorganización de elementos dados, reconocibles, pero que entre sí son distinguibles y provenientes de fuentes distintas. Para Gross, el collage como técnica favorece el crear composiciones que reflexionan sobre la imaginación y el surrealismo.

 

Qué nos presenta una imagen de estas características

 

 

"Castigo," Alan Carroll. 2020. Acrílico. 70 x 70 cm. 

El avance que supone la aparición de este tipo de imágenes y forma de componer nos indica que a los artistas les empieza a interesar el representar una percepción fragmentada y discontinua de las cosas y de la realidad en general. Esto se expresa concretamente de forma visual en el quiebre de la continuidad de las figuras, de los cánones de perspectiva, proporción y de los planos de representación en el cuadro. En otras palabras, la imagen se distancia del referente de lo real para buscar una independencia de iconografía y una nueva estética que no por no imitar exactamente la realidad no refiere en nada a lo real.

La obra de Alan Carroll es un muy buen ejemplo de cómo estas nociones han ido influenciando la cultura y la manera en que pensamos visualmente, sin necesariamente trabajar directamente con collage. Esto tiene sus raíces en las vanguardias de principios del siglo XX, con artistas como Pablo Picasso o Marcel Duchamp. Lo que se concebía como obra de arte comienza a fragmentarse y a desdibujarse, en pos de nuevas exploraciones visuales.

Los cuadros de Carroll exploran justamente, una percepción fragmentada de la imagen que enfatizan el cuadro como ficción, donde podemos encontrar: Una jerarquía simbólica, personajes arquetípicos o figuras que hacen de “participantes” y que hacen referencia al individuo y su rol. Además vemos como herencia del collage un marcado estilo gráfico y el recurso del recorte de figuras y superposición de formas para inducir a una narratividad con recursos depurados al máximo, buscando la irreductibilidad máxima de las imágenes.

 

El valor de la propuesta está en su análisis estético y crítico, no solamente en sus logros técnicos

 

 "El Nido," Marco Antonio Nuñez. 2019. Collage análogo. 20 x 28 cm. 

Tomando como ejemplo la obra de Marco Antonio Nuñez, vemos que el recurso por excelencia del collage, la apropiación, como método cambia el concepto de creación: El entrenamiento de la habilidad técnica pasa a sumarse al ejercicio de una mirada crítica que selecciona y reorganiza elementos para dar lugar a un nuevo elemento que es la obra de arte.

En la obra de Nuñez esto tiene como fin el dar una interpretación de la memoria a través de imágenes y conceptos que son reestructurados para crear escenas y narrativas heterogéneas; emitiendo a su vez un juicio sobre ellas a través de la deconstrucción de un relato establecido.

 

El poder de las imágenes

 

 

"10 Evolucio(no)," Emilio Fuentes. 2020. Fotografía digital intervenida. 24 x 27 cm. 

Esto es, quizás, uno de los puntos más relevantes y que se empieza a modelar junto con el desarrollo del collage y a lo largo del siglo XX hasta hoy. Esto es la idea de la imagen como símbolo o ícono que puede ser utilizado, transgredido o subvertido; dándole así una fuerza simbólica diferente a las representaciones artísticas y situando al arte no solamente en una esfera creativa aislada, sino que, de por sí crítica y transformadora de la sociedad.

En la obra de Emilio Fuentes conviven de manera fragmentada imágenes que ilustran los conceptos  de lo natural y lo humano, como dos polos enfrentados, para introducir una reflexión en torno a una deuda medioambiental.

 

Un avance en nuestra percepción de las imágenes, del aspecto y del rol del arte en sí

 

Para concluir este breve comentario, a mi juicio, el collage es muestra y evidencia de la relevancia de la imagen como contenedora de significado y comunicadora, fundamentalmente, del cambio paulatino que se ha ido dando en la manera en que pensamos imágenes y concebimos nuestra identidad cultural, histórica y también estética. Es un claro ejemplo de cómo se establecen diálogos e hibridaciones entre imágenes al yuxtaponerse unas con otras y de cómo el arte, justamente, no se encuentra segmentado según épocas históricas o corrientes de cualquier tipo, sino que se va construyendo en estratos a través del tiempo. Al igual que nuestra identidad como seres sociales, el cómo nos percibimos y representamos evoluciona heterogéneamente, a veces, de manera difusa e irregular.

 

Si te interesa saber más sobre esta técnica, no te pierdas el conversatorio de Cecoll junto a Galería Clandestina este jueves 24 a las 18:30 hrs,  inscríbete acá.

También este sábado 26 tendremos un taller gratuito liderado por Marco Antonio Nuñez de 11:00 - 13:00 hrs vía Zoom. Puedes inscribirte rellenando en este formulario.

 

Glosario

Abstracto: [Arte o artista] Que no pretende representar cosas concretas, sino que atiende exclusivamente a elementos de forma, color, proporción, etc.

Apropiación: Método artístico en el que el artista usa para elaborar su obra elementos de otras ajenas. Se aplica a la pintura, escultura o incluso poesía y literatura. Estos elementos ajenos pueden ser imágenes, formas o estilos de la historia del arte o de la cultura popular, o bien materiales o técnicas obtenidas de un contexto no artístico

Arquetipo: Modelo original que sirve como pauta para imitarlo, reproducirlo o copiarlo, o prototipo ideal que sirve como ejemplo de perfección de algo.

Canon: Conjunto de normas, preceptos o principios con que se rige la conducta humana, un movimiento artístico, una determinada actividad, etc. Modelo o prototipo que reúne las características que se consideran perfectas en su género, especialmente el referido a la figura humana que reúne las proporciones ideales.

Collage: Técnica artística pictórica que consiste en pegar sobre una tela, papel u otra superficie otros materiales, como papel, tela, fotografías, etc. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip.

Composición: En escultura, pintura, fotografía, etc., arte de distribuir los elementos de una obra.

Contemporáneo: Existente en la misma época. Que es actual.

Contenido: Tema o asunto del que se habla o escribe. Discurso.

Cristalización: Dicho de las ideas, los sentimientos o los deseos de una persona o de una colectividad. Tomar forma clara y precisa, perdiendo su indeterminación.

Decodificar: Aplicar las reglas adecuadas a un mensaje, que ha sido emitido en un sistema de signos determinado, para entenderlo.

Decontruir: Deshacer analíticamente algo para darle una nueva estructura.

Disímil: Que es diferente, que no se parece.

Disrupción: Interrupción súbita de algo.

Duchamp, Marcel: [1887-1968]. Artista y ajedrecista francés. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del dadaísmo.

Estética: Rama de la filosofía que trata de la belleza y de la teoría fundamental y filosófica del arte.

Estrato: Cada una de las capas superpuestas en yacimientos de fósiles, restos arqueológicos, etc.

Ficción: Clase de obras literarias o cinematográficas, generalmente narrativas, que tratan de sucesos y personajes imaginarios.

Figuración: Consiste en utilizar las figuras o formas de la naturaleza como motivos del arte. Sin embargo se usa también para hablar de las nuevas formas de imaginar y “figurar” ideas, nociones, etc del arte en general.

Figurativo: [Arte o artista] Que representa la realidad de forma fiel o semejante, en oposición a los abstractos.

Forma: Conjunto de líneas y superficies que determinan la planta, el contorno o el volumen de una cosa, en contraposición a la materia de que está compuesta.

Gráfico: El concepto de artes gráficas hace referencia a la elaboración de todo tipo de elementos visuales, fundamentalmente a técnicas de grabado y dibujo​, aunque suele restringirse el término a las técnicas relacionadas con la imprenta

Höch, Hannah: [1889-1978] Artista plástica y fotógrafa alemana, pionera del movimiento dadá. Utilizó, como modo de expresión, el fotomontaje​, siendo considerada pionera en esta técnica fotográfica.

Heterogéneo: Que está formado por elementos de distinta clase o naturaleza.

Hibridación: En ecología, hibridación es el proceso de mezclar diferentes especies o variedades de organismos para crear un híbrido. En ciencias sociales, hibridación es un proceso de mestizaje cultural

Ícono: Signo que representa un objeto o una idea con los que guarda una relación de identidad o semejanza formal.

Iconografía: Conjunto de imágenes relacionadas con un personaje o un tema y que responden a una concepción o a una tradición. Estudio u obra que describe y analiza las características de las imágenes relacionadas con un personaje o un tema.

Imbuir: Transmitir ciertas ideas o sentimientos; infundir, persuadir, inculcar.

Intervención: Género artístico que modifica alguna o varias de las propiedades de un espacio, que pasa a ser un espacio artístico por el simple hecho de que un artista decida desarrollar sobre él su actividad.

Jerarquía: Organización de personas o cosas en una escala ordenada y subordinante según un criterio de mayor o menor importancia o relevancia dentro de la misma.

Lógica: Método o razonamiento en el que las ideas o la sucesión de los hechos se manifiestan o se desarrollan de forma coherente y sin que haya contradicciones entre ellas.

Medio: Los métodos, procesos y medios de expresión usados en las bellas artes para producir una obra.

Narrativo: De narración, proviene del género literario narrativo, es narrar o relatar una historia real o imaginaria.

Obra: Los términos obra de arte y obra artística son las denominaciones que se dan al producto de una creación en el campo del arte, creación a la que se atribuye una función estética o social.

Percepción: Primer conocimiento de una cosa por medio de las impresiones que comunican los sentidos.

Perspectiva: Manera de representar uno o varios objetos en una superficie plana, que da idea de la posición, volumen y situación que ocupan en el espacio con respecto al ojo del observador. Arte o técnica de representar los objetos de esa manera, tal como aparecen a la vista.

Picasso, Pablo: [1881-1973].  Pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Plano: En la pintura principalmente, pero también en el resto de las artes visuales (no se considera por ejemplo la escultura como arte visual), se le llama plano a cada corte a lo largo de la profundidad simulada o inferida en el cuadro. Entonces se tiene un primer plano, para las cosas que se encuentran plasmadas más cerca del pintor o autor. El plano medio, con los objetos a media distancia. Y el plano de fondo u objetos que se encuentran detrás del objeto de interés. Generalmente el plano más importante es el plano medio, donde se colocan los objetos de interés más o menos centrados, y el resto de los objetos alrededor en primer plano o en el fondo enmarcando o dirigiendo la atención del espectador al tema de la pintura y/u objeto(s) principal(es).

Referente: persona u objeto que hace referencia o refleja relación a algo.

Representación: Símbolo, imagen o imitación que hace pensar en determinada cosa. Signo, palabra, imagen, etc., con que una persona se representa algo mentalmente.

Reproducción: Cosa que reproduce o copia un original, vuelto a hacer.

Símbolo: Un símbolo es la representación perceptible de una idea, con rasgos asociados por una convención socialmente aceptada.

Superponer: Poner una cosa encima de otra.

Surrealismo: Movimiento artístico y literario que surgió en Francia después de la Primera Guerra Mundial y que se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional.

Técnica: Conjunto de procedimientos o recursos que se usan en un arte, en una ciencia o en una actividad determinada, en especial cuando se adquieren por medio de su práctica y requieren habilidad. Destreza y habilidad de una persona en un arte, deporte o actividad que requiere usar estos procedimientos o recursos, que se desarrollan por el aprendizaje y la experiencia.

Vanguardia: Se llama vanguardias artísticas a los movimientos rupturistas de las artes plásticas que surgieron a partir del siglo XX, y que tuvieron como objetivo expresar los nuevos tiempos por medio de la innovación del lenguaje pictórico y/o escultórico. Entre ellos podemos mencionar al cubismo, al futurismo, al dadaísmo, al abstraccionismo (con sus diferentes corrientes) y al surrealismo. La palabra vanguardia proviene de la expresión francesa avant-garde y esta del latín ab ante, que quiere decir ‘sin nadie adelante’, y garde, que significa ‘guardar’. Originalmente el término se usaba en la jerga militar para referir a los que encabezan el pelotón abriendo paso en la contienda.

Yuxtaponer: Poner algo junto a otra cosa o inmediata a ella.

Comentarios

  • Publicado por Verónica Montt en

    Muy interesante y didáctico.
    Te felicito Inesita y mucho éxito!
    Cariños

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